La danse, art ancestral du mouvement, se décline en de multiples formes expressives. Parmi celles-ci, la danse classique et la danse contemporaine se distinguent comme deux piliers majeurs, chacune portant en elle une histoire, une technique et une philosophie uniques. Ces deux styles, bien que partageant le langage universel du corps en mouvement, diffèrent fondamentalement dans leur approche, leur exécution et leur intention artistique. Comprendre ces différences permet non seulement d’apprécier la richesse de chaque style, mais aussi de saisir l’évolution de l’art chorégraphique à travers les époques.
Origines et évolution historique des deux styles
La danse classique trouve ses racines dans les cours royales de la Renaissance italienne du 15ème siècle. Elle s’est progressivement codifiée et structurée, atteignant son apogée au 19ème siècle avec l’émergence du ballet romantique. Cette forme de danse incarne l’idéal de beauté, de grâce et de perfection technique hérité de l’esthétique néoclassique.
En revanche, la danse contemporaine est née d’une volonté de rupture avec les conventions rigides du ballet classique. Apparue au début du 20ème siècle, elle s’est développée comme une réaction aux contraintes imposées par la tradition. Les pionniers de la danse contemporaine, tels qu’Isadora Duncan et Martha Graham, ont cherché à libérer le corps des codes établis pour explorer de nouvelles formes d’expression corporelle.
Cette divergence d’origine se reflète dans l’évolution de ces deux styles. Tandis que la danse classique a maintenu une structure relativement stable, avec des innovations principalement techniques, la danse contemporaine n’a cessé de se réinventer, intégrant des influences diverses et repoussant constamment les limites de ce qui est considéré comme de la danse.
Techniques et mouvements fondamentaux
Les différences techniques entre la danse classique et contemporaine sont frappantes et reflètent leurs philosophies respectives. La danse classique repose sur un vocabulaire précis de mouvements codifiés, exécutés avec une rigueur et une précision extrêmes. À l’inverse, la danse contemporaine privilégie une approche plus libre et expérimentale du mouvement.
Positions de base en danse classique
En ballet classique, tout part des cinq positions de base des pieds et des bras. Ces positions forment le socle à partir duquel tous les mouvements sont construits. La première position , par exemple, exige que les talons se touchent et que les pieds forment une ligne droite, les orteils pointant vers l’extérieur. Cette rigueur dans le placement du corps est emblématique de l’approche classique.
L’ en dehors , ou rotation externe des jambes à partir de la hanche, est un autre principe fondamental du ballet classique. Il permet d’atteindre une plus grande amplitude de mouvement et contribue à l’esthétique caractéristique de cette danse.
Techniques de contraction-release en contemporain
La danse contemporaine, quant à elle, s’appuie souvent sur des techniques comme la contraction-release développée par Martha Graham. Cette technique implique une alternance entre la contraction du torse, créant une courbe concave, et sa libération, permettant au corps de s’étendre pleinement. Ce principe illustre l’approche plus organique et expressive de la danse contemporaine.
La respiration joue un rôle crucial dans cette technique, servant de moteur au mouvement et créant une connexion profonde entre le danseur et son corps. Cette emphase sur l’intériorité et l’expression personnelle contraste fortement avec l’extériorité et la présentation formelle du ballet classique.
Utilisation du sol en danse contemporaine
Une autre différence majeure réside dans l’utilisation du sol. En danse contemporaine, le sol est considéré comme un partenaire à part entière. Les danseurs explorent les mouvements au sol, les roulades, les chutes et les relevés, créant ainsi une palette de mouvements beaucoup plus vaste que celle du ballet classique.
Cette relation au sol permet d’explorer la gravité d’une manière que le ballet, avec son aspiration à la légèreté et à l’élévation, ne permet pas. Les danseurs contemporains apprennent à utiliser le poids de leur corps et la résistance du sol pour créer des mouvements dynamiques et expressifs.
Pointes et élévation en danse classique
En contraste direct, le ballet classique met l’accent sur l’élévation et la verticalité. L’utilisation des chaussons de pointe, emblématique du ballet, permet aux danseuses de sembler défier la gravité. Cette technique, développée au 19ème siècle, a ouvert de nouvelles possibilités chorégraphiques et a renforcé l’image éthérée et surnaturelle associée au ballet romantique.
Les grands sauts, les pirouettes multiples et les adages lents et contrôlés sont autant d’éléments qui soulignent cette recherche de l’élévation et de la maîtrise parfaite du corps dans l’espace. Cette virtuosité technique est souvent considérée comme l’apogée de l’art du ballet classique.
Structures chorégraphiques et narratives
Les approches chorégraphiques et narratives de la danse classique et contemporaine reflètent leurs différences philosophiques et esthétiques. Le ballet classique tend à privilégier des structures narratives claires, souvent basées sur des contes ou des légendes, tandis que la danse contemporaine explore des formes plus abstraites et conceptuelles.
Ballets narratifs classiques : le lac des cygnes
Le ballet classique est réputé pour ses grands ballets narratifs, dont Le Lac des Cygnes est un exemple parfait. Ces œuvres racontent une histoire complète à travers la danse, la pantomime et la musique. La structure de ces ballets est généralement rigide, avec des actes clairement définis, des pas de deux (duos) pour les personnages principaux, et des ensembles pour le corps de ballet.
Dans ces ballets, chaque geste, chaque pose a une signification précise, contribuant à faire avancer l’histoire. Les danseurs incarnent des personnages spécifiques, et leur interprétation technique est au service de la narration. Cette approche narrative exige une grande clarté dans l’exécution des mouvements et une expressivité qui doit rester dans les limites du personnage interprété.
Abstraction et conceptualisme en contemporain
La danse contemporaine, en revanche, s’aventure souvent dans des territoires plus abstraits et conceptuels. Les chorégraphes contemporains peuvent s’inspirer d’idées philosophiques, de phénomènes sociaux ou d’expériences personnelles pour créer des œuvres qui ne suivent pas nécessairement une narration linéaire.
Cette approche permet une plus grande liberté d’interprétation, tant pour les danseurs que pour le public. Les mouvements peuvent être symboliques, métaphoriques ou purement esthétiques, sans avoir besoin de « raconter » une histoire au sens traditionnel du terme. Cette abstraction ouvre la voie à des expériences chorégraphiques plus variées et souvent plus personnelles.
Improvisation et composition instantanée
L’improvisation et la composition instantanée sont des éléments clés de nombreuses créations contemporaines, une pratique rarement, voire jamais, utilisée dans le ballet classique. Cette approche permet aux danseurs de créer du mouvement en temps réel, répondant à l’instant présent, à leurs impulsions intérieures ou à des stimuli externes.
Cette liberté d’improvisation reflète une philosophie qui valorise l’authenticité du moment et l’expression individuelle du danseur. Elle contraste fortement avec l’approche du ballet classique, où chaque mouvement est minutieusement chorégraphié et répété pour atteindre une exécution parfaite.
Musique et relation à l’espace sonore
La relation à la musique et à l’espace sonore constitue une autre différence fondamentale entre la danse classique et contemporaine. Dans le ballet classique, la musique joue un rôle central et structurant. Les chorégraphies sont généralement créées sur des partitions musicales préexistantes, avec une correspondance étroite entre les mouvements et la structure musicale.
Les grands ballets classiques sont souvent associés à des compositions musicales spécifiques, créées pour accompagner l’histoire et les émotions portées par la danse. Les danseurs classiques sont formés à « écouter » la musique et à synchroniser précisément leurs mouvements avec elle, créant une harmonie visuelle et auditive.
En danse contemporaine, la relation à la musique est beaucoup plus variée et expérimentale. Certains chorégraphes contemporains choisissent de travailler en silence, mettant l’accent sur le rythme interne du mouvement. D’autres utilisent des sons ambiants, des bruitages ou des compositions électroniques pour créer un paysage sonore unique.
Il n’est pas rare de voir des créations contemporaines où la musique est composée après la chorégraphie, inversant le processus traditionnel. Cette approche permet une plus grande liberté dans l’exploration du mouvement et de son rapport au son, ouvrant la voie à des expériences artistiques innovantes.
Costumes et scénographie
Les choix de costumes et de scénographie reflètent également les différences philosophiques entre ces deux styles de danse. Le ballet classique est connu pour ses costumes élaborés et sa scénographie souvent somptueuse, tandis que la danse contemporaine adopte généralement une approche plus minimaliste et fonctionnelle.
Tutus et pointes vs. pieds nus et vêtements quotidiens
Le tutu et les chaussons de pointe sont emblématiques du ballet classique. Ces costumes, développés au fil des siècles, sont conçus pour mettre en valeur les lignes du corps et amplifier les mouvements caractéristiques du ballet. Le tutu, en particulier, avec sa jupe courte et évasée, permet de voir clairement le travail des jambes et accentue l’effet d’élévation si important dans le ballet.
En contraste, la danse contemporaine privilégie souvent des costumes plus simples, parfois même des vêtements quotidiens. Les danseurs contemporains travaillent fréquemment pieds nus, ce qui leur permet un contact direct avec le sol et une plus grande liberté de mouvement. Cette approche du costume reflète le désir de la danse contemporaine de se rapprocher d’une expression plus naturelle et moins artificielle du corps en mouvement.
Décors minimalistes en danse contemporaine
La scénographie en danse contemporaine tend vers le minimalisme. De nombreux chorégraphes contemporains choisissent de travailler avec des espaces vides ou des décors épurés, mettant l’accent sur le corps du danseur et le mouvement pur. Cette approche contraste avec les décors élaborés et les effets scéniques souvent utilisés dans les productions de ballet classique.
Ce minimalisme scénographique en danse contemporaine permet une plus grande flexibilité dans l’utilisation de l’espace et encourage le public à se concentrer sur l’essence du mouvement et de l’expression corporelle, sans les distractions d’un décor complexe.
Innovations technologiques dans la scénographie contemporaine
Bien que tendant vers le minimalisme, la danse contemporaine n’hésite pas à intégrer des innovations technologiques dans sa scénographie. L’utilisation de projections vidéo, de capteurs de mouvement, ou même de réalité augmentée est de plus en plus fréquente dans les créations contemporaines.
Ces technologies permettent de créer des environnements interactifs où le mouvement des danseurs peut influencer en temps réel les éléments visuels ou sonores de la performance. Cette fusion entre danse et technologie ouvre de nouvelles possibilités d’expression et de narration, repoussant encore les frontières de ce que peut être une performance de danse.
Figures emblématiques et compagnies influentes
L’histoire et l’évolution de la danse classique et contemporaine sont marquées par des figures emblématiques et des compagnies qui ont profondément influencé ces styles. Ces artistes et ces ensembles ont non seulement excellé dans leur art, mais ont également contribué à redéfinir et à faire évoluer leurs disciplines respectives.
Marius petipa et le ballet classique russe
Marius Petipa, chorégraphe français du 19ème siècle, est considéré comme le « père » du ballet classique moderne. Son travail au Ballet Impérial Russe a établi les standards du grand ballet classique que nous connaissons aujourd’hui. Petipa a chorégraphié de nombreux ballets qui sont devenus des piliers du répertoire classique, tels que La Belle au bois dormant , Le Lac des cygnes (en collaboration avec Lev Ivanov), et Don Quichotte .
L’influence de Petipa s’étend bien au-delà de son époque. Ses chorégraphies, caractérisées par leur grandeur, leur précision technique et leur narration claire, ont établi un modèle que de nombreuses compagnies de ballet classique suivent encore aujourd’hui. Le style de Petipa, fusionnant la technique française avec la passion russe, a créé ce qui est souvent considéré comme l’apogée du ballet classique.
Pina bausch et le tanztheater wuppertal
Dans le monde de la danse contemporaine, peu de figures ont eu autant d’impact que Pina Bausch. Chorégraphe allemande, Bausch a révolutionné la danse contemporaine avec son approche du Tanztheater (danse-théâtre). Son travail avec le Tanztheater Wuppertal a redéfini les limites entre la danse, le théâtre et les arts visuels.
Les créations de Bausch sont connues pour leur intensité émotionnelle, leur exploration des relations humaines et leur utilisation innovante de l’espace scénique. Elle a souvent incorporé des éléments de la vie quotidienne dans ses chorégraphies, brouillant les frontières entre la performance et la réalité. L’influence de Bausch se ressent dans le travail de nombreux chorégraphes contemporains qui continuent d’explorer les possibilités expressives du corps au-delà des mouvements de danse tradit
ionnels.
William forsythe et le ballet de francfort
William Forsythe est une figure majeure de la danse contemporaine qui a su brillamment marier les techniques du ballet classique avec une approche résolument moderne. À la tête du Ballet de Francfort de 1984 à 2004, Forsythe a développé un style unique, caractérisé par une déconstruction et une réinvention des principes du ballet classique.
Les œuvres de Forsythe sont connues pour leur complexité technique, leur dynamisme et leur exploration de l’espace. Il a introduit de nouvelles méthodes de composition chorégraphique, utilisant souvent des technologies avancées et des concepts mathématiques pour créer des structures de mouvement innovantes. Son influence s’étend bien au-delà de la danse contemporaine, inspirant des artistes dans divers domaines et redéfinissant les possibilités du corps en mouvement.
Angelin preljocaj et le ballet preljocaj
Angelin Preljocaj, chorégraphe français d’origine albanaise, a fondé le Ballet Preljocaj en 1985. Sa compagnie est devenue l’une des plus importantes de la scène contemporaine française et internationale. Preljocaj est connu pour son style unique qui fusionne la rigueur du ballet classique avec l’expressivité de la danse contemporaine.
Les créations de Preljocaj sont souvent caractérisées par leur théâtralité, leur charge émotionnelle et leur exploration de thèmes sociaux et politiques. Il a collaboré avec de nombreux artistes de renom, des musiciens aux plasticiens, créant des œuvres qui transcendent les frontières traditionnelles de la danse. Son approche novatrice et sa capacité à toucher un large public ont contribué à populariser la danse contemporaine auprès de nouvelles audiences.
Ces figures emblématiques et compagnies influentes illustrent la richesse et la diversité des approches en danse classique et contemporaine. Elles montrent comment ces deux styles, bien que distincts, peuvent s’influencer mutuellement et continuer à évoluer, repoussant constamment les limites de l’expression corporelle et artistique. Que ce soit à travers la préservation et le raffinement des traditions classiques ou l’exploration audacieuse de nouvelles formes d’expression, ces artistes et compagnies jouent un rôle crucial dans le façonnement du paysage de la danse actuelle et future.